Artistes et art contemporain : poursuivons ensemble cette magnifique tournée ! Cette semaine également, nous avons rassemblé plusieurs artistes super contemporains et super célèbres que vous NE POUVEZ PAS connaître.

Quelles sont les nouvelles personnalités que vous avez découvertes grâce à nous ? Voici une autre série de peintres , sculpteurs et artistes performatifs que vous voudrez sûrement connaître.

Christophe Laine

Les œuvres de Christopher Wool se reconnaissent à l’utilisation fréquente du noir et blanc. Cela apparaît à la fois dans les peintures abstraites et dans les toiles emblématiques recouvertes de grandes lettres réalisées à l’aide de pochoirs.

L’inspiration pour ces œuvres serait née dans les années 1980, après la vision de Wool à New York d’une camionnette blanche couverte de graffitis.

Faisant clairement référence au pop art , l’artiste utilise principalement des slogans publicitaires et des citations célèbres. Les mots brisés se transforment ainsi en formes abstraites difficiles à comprendre, suggérant les sens multiples que peut cacher une image.

Ed Ruscha

Même dans les œuvres d’ Ed Ruscha , les mots sont les protagonistes. En tant que représentant emblématique du mouvement pop art, ses œuvres se caractérisent par la présence de phrases énigmatiques écrites dans un format typographique impactant, qui renvoie à celui des publicités . Ces derniers se démarquent souvent des scénarios américains distinctifs, tels que de vastes paysages naturels désolés ou des paysages urbains de style hollywoodien. De cette façon, Ruscha parvient à récupérer des iconographies iconiques en les réinsérant dans leur contexte culturel d’origine.

David Hockney

 

Un artiste pop particulier mais absolument remarquable est le Londonien David Hockney , anglais de naissance mais américain d’adoption. Ce sont précisément les couleurs vives et vibrantes de la Californie, avec son climat subtropical, qui apparaissent dans les peintures de Hockney et deviennent les protagonistes. Après son installation à Los Angeles à la fin des années 1970, le paysage hollywoodien, symbole du rêve américain, devient le sujet de prédilection du peintre. Dans des paysages idylliques caractérisés par un calme plat, cependant, des figures humaines détachées dans leur propre solitude créent une atmosphère de tension.  Cliquez ci-dessous pour en savoir plus sur l’ art de David Hockney .

Richard Prince

Adepte de l’expressionnisme abstrait de Jackson Pollock et de l’art informel de Kline, Richard Prince a développé sa carrière artistique après son déménagement à New York dans les années 1970. En ville, travaillant aux éditions Time, il côtoie quotidiennement les photographies publiées dans les magazines. Il développe ainsi l’art de l’ appropriation , qu’il réalise en copiant, photographiant et manipulant des images publicitaires préexistantes. La décontextualisation provocatrice des icônes vise à mettre en lumière les stéréotypes et les clichés d’une société dominée par la présence des médias.

Cindy Sherman

Même Cindy Sherman peut être qualifiée d’appropriation artistique. Utilisant principalement la photographie , Sherman s’approprie les traits stylistiques du langage médiatique populaire américain diffusé par le cinéma, la télévision et la publicité. L’artiste se place au centre de l’œuvre avec une ironie provocante, presque méconnaissable en raison du maquillage prothétique, des costumes et de la scénographie. Ce faisant, elle est en mesure de mettre en évidence l’influence oppressive des médias sur les individus, notamment en ce qui concerne le rôle des femmes dans la société.  Cliquez pour suivre pour en savoir plus sur l’ art de Cindy Sherman

Marina Abramović

 

Un autre artiste qu’il est impossible de ne pas mentionner est Marina Abramović , probablement l’interprète la plus célèbre du 21e siècle. Ses performances controversées ne manquent pas de défier les limites du corps et de l’esprit humains, englobant des attentes déchirantes et même la violence physique. Le public est activement impliqué, et les sentiments partagés forts générés par la rencontre directe entre l’artiste et le spectateur contribuent à briser le fossé entre le sujet et l’objet typique de l’art traditionnel. Si vous êtes curieux, cliquez ci-dessous pour en savoir plus sur les performances de  Marina Abramović .

Frank Stella

La pertinence des œuvres de Frank Stella réside dans ce qu’a été la capacité de l’artiste à dépasser le courant de l’expressionnisme abstrait pour donner vie, dans les années 60, à celui du minimalisme . Pour Stella, l’interaction entre l’œuvre et le spectateur ne doit pas laisser place à une libre interprétation, le tableau représenterait donc simplement ce qu’il est, un objet artistique. Ainsi des lignes géométriques précises, aux couleurs froides et pures, se développent sur la toile, dans une tentative d’éliminer tout type d’émotion et de suggestion.

Richard Serra

 

Le minimalisme de l’artiste américain aux multiples facettes Richard Serra se manifeste avant tout à travers la sculpture . Influencé par le travail de son père dans une aciérie, Serra utilise principalement ce matériau depuis les années 1960 pour créer des formes sculpturales impressionnantes capables de modifier la perception de l’espace environnant. Les installations , conçues spécifiquement pour les environnements ouverts ou fermés, semblent défier la force de la gravité grâce à l’étude des principes architecturaux fondamentaux, faisant en sorte que le spectateur se sente démesurément petit.  Cliquez ci-dessous pour voir plus de sculptures de Richard Serra

Anselm Kiefer

 

La sculpture d’ Anselm Kiefer , ainsi que sa peinture, voient plutôt l’utilisation de matériaux différents et non conventionnels, tels que le bois, le frêne, l’argile, le plomb et la gomme laque. La fragilité de ses œuvres due aux éléments naturels difficiles à préserver contraste avec les problématiques sévères abordées. Kiefer explore les grands thèmes du passé, et en particulier le côté obscur de la culture allemande, à commencer par le nazisme, encore tabou de l’après-guerre. Tel un alchimiste, l’artiste ramène des souvenirs et des mythes à travers des symboles , dans une mission spirituelle. Une petite note : si vous êtes à Milan et que vous ne l’avez jamais vu, courez jusqu’au centre Hangar Bicocca, vous serez émerveillé devant les Sept Palais Célestes de Kiefer.

Thomas Schütte

L’Allemand Thomas Schütte expérimente également des techniques et des matériaux dans la création de ses sculptures, en se concentrant principalement sur la figure humaine . Avec son ironie, Schütte transforme le familier en étranger, transformant les hommes en marionnettes souvent gigantesques, le visage renfrogné par la soif de pouvoir. Travaillant par séries, même ses sujets semblent devenir des types fixes, piégés dans le mensonge que les médias et les politiques nous proposent chaque jour.

Mimmo Paladin

Avec les œuvres de Mimmo Paladino, on assiste à nouveau à un retour à l’art figuratif , encore une fois réalisé avec des matériaux non conventionnels. Peintre de naissance, Paladino crée des tableaux qui s’étendent de la toile, se rapprochant peu à peu de la sculpture . Les couleurs vives et la réduction à une essentialité primitive deviennent alors des caractéristiques essentielles de ses œuvres, appartenant au courant de la transavantgarde . Ainsi l’artiste reprend la tradition pour développer un nouveau langage   et amener le spectateur dans un nouveau monde.  Cliquez pour suivre pour en savoir plus sur l’ art de Mimmo Paladino. Ici aussi, si vous êtes près de Trapani, faites un tour à Gibellina, vous y trouverez la Montagne Salée créée par l’artiste en 1990.

Fernando Boter

Les figures humaines représentées par l’artiste colombien Fernando Botero ont leur propre reconnaissabilité qui les rend emblématiques dans le panorama de l’art contemporain comme les plus grands peintres de tous les temps. L’influence du baroque sud-américain combinée à l’ étude des volumes de Botero se réalise dans des corps aux lignes douces et dilatées immergés dans une atmosphère placide. Ainsi tout type de représentation de la réalité humaine, même la plus dramatique, est transformé par l’œil de l’artiste qui l’idéalise en la plongeant dans une atmosphère onirique et surréaliste.  De plus amples informations sur l’ art de Fernando Botero sont fournies ci-dessous

Zeng Fanzhi

Les sujets représentés par le célèbre artiste Zeng Fanzhi , aux grandes mains et aux visages stéréotypés, sont parfois plongés dans des scénarios apocalyptiques aux traits expressionnistes. Élevé pendant la période de la révolution culturelle chinoise, Zeng ne peut manquer d’aborder des questions telles que celles de l’oppression sociale et de la tyrannie, qui se manifestent par l’ aliénation et la dépersonnalisation. Ainsi l’artiste tente d’éveiller les consciences et pousse à rechercher le vrai caché derrière l’homologation.